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Pillole di Film
Una rubrica di proposte e critiche personali su film diversi per generi, epoche e stili cinematografici. In pillole. Perché il cinema è come una medicina, allucinogeno e calmante a seconda dei casi, capace sempre di donare a chi lo ama la preziosa sensazione di poter sperimentare altre vite e modi di essere ogni volta diversi.
…Allora, cosa volete vedervi stasera?
“Il cinema? Un mezzo per porre domande”
(Ken Loach)
“Il cinema è l’arte di rievocare i fantasmi”
(Jacques Derrida)
“Il cinema è il modo più diretto per entrare
in competizione con Dio”
(Federico Fellini)
"Il cinema è un'invenzione senza avvenire"
(Louise Lumiére)
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- Scritto da Piercarlo Fabi
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- Categoria: Pillole di Film
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Un colpo di pistola a bruciapelo, un collaboratore tradito e un microchip d'inestimabile valore rubato. Stacco. Franz termina il suo turno di notte posteggiando l'autobus nel terminal dell'aereoporto di Fiumicino, dove viene raggiunto e minacciato da un gigantesco e spietato strozzino di nome... Titti! Sono i primi cinque minuti dell'opera prima di Davide Marengo e rappresentano l'esempio migliore, quasi un manifesto, del nuovo "genere" cui essa appartiene: la "commedia-noir".
Ambientata nella notte di Roma, trai sanpietrini lividi del Lungo Tevere che riflettono la luce gialla dei lampioni, la pellicola segue la vicenda di Franz, autista di bus ingenuo e perdente, a poker come nella vita, e Leila, o Alessia, o Francesca, truffatrice bugiarda e malinconicamente sfuggente, due opposti che il destino getta nel mezzo di una lotta spietata per un microchip che può rovinare un personaggio molto potente. A dar loro la caccia, da un lato, c'è Matera (Ennio Fantastichini, straordinario come sempre), ex-agente dei servizi segreti duro ma gentile, perseguitato dai rimpianti del passato; dall'altro, ci sono Garofano (Francesco Pannofino, ottimo attore oltre che bravissimo doppiatore di George Clooney, che sfata così il luogo comune: "ottimo doppiatore-pessimo interprete") e Diolaiti (un Roberto Citran eccezionalmente freddo e spietato), coppia efferata come i killer di "LE IENE" e, al tempo stesso, comica come Stanlio e Ollio. Il mistero del microchip si dipana tra sparatorie, tradmenti e inseguimenti mozzafiato in autobus.
Il giovane Marengo si muove tra commedia e thriller con disinvoltura e con un po' di quella "pazzia consapevole" che hanno tutti gli esordienti di talento con alle spalle una promettente gavetta. I suoi due protagonisti, suoi amici di vecchia data nella vita, lo aiutano non poco con le loro interpretazioni: la Mezzogiorno, finalmente libera dai ruoli di trntenne isterica, diverte e si diverte con i seducenti atteggiamenti della doppiogiochista Leila e Mastandrea conferma di essere uno degli attori più sottovalutati dal nostro cinema. Giovani e talentuosi registi (Marengo, ma anche Daniele Vicari) se ne sono resi conto e questo è un altro dei motivi per cui fare il tifo per loro.
{tab=Scheda tecnica}
Regista: D. Marengo
Anno di produzione: 2007
Produzione: Italia
Durata: 104 minuti
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Non ci sono curiosità
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David di Donatello 2007: miglior canzone (La Paranza e Mi persi di Daniele Silvestri)
- Dettagli
- Scritto da Claudia Catalli
- Categoria principale: Articoli
- Categoria: Pillole di Film
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Halle Barry, più felina e graffiante che in “Catwoman”, è Rowena (un nome, un programma), giornalista rampante e arrampicatrice velenosa, che si diverte a firmare scoop bollenti, distruggendo senza ritegno le esistenze altrui. Intenta nella prossima mossa, per colpa di un imprevisto dovrà fare i conti con una brutta vicenda riguardante proprio i suoi migliori amici, che si riveleranno all’improvviso dei perfetti sconosciuti (di qui il titolo del film, “perfect stranger”: nessuno è ciò che sembra). “Per commettere un buon omicidio, servono buoni ingredienti al momento giusto”, si dice a più riprese. Qui in effetti ci sono tutti: infanzia difficile, sete di potere, senso di rivalsa, strategie, cambi d’identità, menzogne, vendetta, gelosia, possessione, sensualità spinta all’estremo... Il problema dell’ultima opera di James Foley è proprio questo: tutto troppo facile. E così il thriller (psicologico, nelle intenzioni) perde di tono, appiattendosi su un livello stile “Basic Instinct 2”, dove relazioni morbose sfociano in chattate pseudo-erotiche fra la ricercatrice della verità e il maggior indiziato (un notevole Bruce Willis, che obiettivamente insieme alla maliziosa Berry fa faville). La volontà di sfruttare il moderno espediente di internet, senza abbandonare gli stereotipi classici del sexy thriller, è un tentativo fallito che sfocia in un finale prevedibile: chi non si aspetta che solo il più impensabile sia il vero colpevole?
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Regista: J. Foley
Anno di produzione: 2007
Produzione: Stati Uniti
Durata: 110 minuti
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Non ci sono curiosità
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Non ci sono riconoscimenti
Si concludono le avventura del capitano Jack Sparrow con un episodio arrembante di effetti speciali, sequenze spettacolari e con infiniti colpi di scena. Chi pensava infatti di saperne già abbastanza sulla personalità e sul passato di Elizabeth Swann, Will Turner, Tia Dalma, Davy Jones e Barbossa si sbagliava, perché è solo in questo ultimo capitolo che tutti i nodi verranno al pettine. Diciamo subito che quello che un po’ delude di Pirati dei Caraibi – Ai confini del mondo è proprio l’aspettativa nei confronti di Johnny Depp, che ormai sembra avere un po’ esaurito l’energia del personaggio e risulta infatti un po’ sottotono, seppure sempre assolutamente geniale. In compenso, a trascinare letteralmente il film, che come il secondo episodio, più volte s’incaglia in passaggi lenti e macchinosi, è Jeoffrey Rush, strabordante nella sua interpretazione di Barbossa, tornato dal mondo dei morti per compiere l’impresa di sconfiggere Davey Jones. Nonostante gli ultimi due capitoli durino complessivamente cinque ore e mezza, Gore Verbinski lascia l’impressione di aver realizzato una trama fin troppo fitta e complessa per la genuinità e la semplicità cui ci aveva abituato con il primo (e migliore) episodio della trilogia: lo spettacolo è sempre garantito (e la battaglia finale è assolutamente imperdibile), ma spesso si rimane storditi da un vortice di sorprese, che lo spettatore non ha il tempo di assimilare. La freschezza del film, fortunatamente, rimane intatta, ma la differenza tra La maledizione della Prima Luna e le due pellicole successive (girate assieme) risulta evidente e la sensazione finale è quella di una trilogia discontinua, poco fluida e quindi incompleta.
A tutti gli appassionati di "Chi vuol essere milionario", "Affari tuoi" ecc. : Attenzione! Una vincita multimilionaria può rovinarvi la vita! Il film di Rodrigo Cortès è un vero atto d'accusa contro la società delle false promesse e delle trappole finanziarie in cui ci troviamo a vivere. Il suo protagonista, Martìn (interpretato da un eccezionale Leonardo Sbaraglia), giovane professore di Storia dell'Economia, vince 3 milioni di euro ad un quiz televisivo. Quello che avrebbe dovuto essere un momento di assoluta felicità si tramuta ben presto in un incubo senza via di scampo: tasse e cavilli finanziari stanno privando Martìn non solo della sua vincita ma anche della sua stessa vita! Viene lasciato dalla sua fidanzata, perde il posto di lavoro, vede scomparire tutti i suoi amici e la sua ancora di salvezza sarà un vecchio economista creativo da molti ritenuto pazzo, che gli indicherà la strada per "fregare il Sistema". La pellicola del giovane Cortès (poco più che trentenne, ma on una gavetta fatta di corti premiati in tutto il mondo e un videoclip girato per il film "Apri gli occhi" di Alejandro Amenabar) sfugge da qualsiasi definizione o classificazione in "generi" classica. E' adrenalinica, avvincente, girata con lo stile dei videoclip ma, allo stesso tempo, contiene un sottotesto di critica alla nostra società e alle sue meschinità molto approfondito e quasi da "film-inchiesta". L'abilità con la quale Cortès "shackera" questi due registri, così lontani tra loro, e la freschezza del risultato finale ne fanno una sicura promessa del panorama cinematografico mondiale degli anni a venire e la "denuncia vivente" del ritardo degli apparati produttivi italiani.
La Caja di Juan Carlos Falcòn Rivero, film vincitore di EuropaCinema, è un’opera prima di sorprendente maturità per la leggerezza con cui affronta, con risvolti umoristici e paradossali, il tema della morte superando gli scogli della rappresentazione di una veglia funebre. Un cadavere, quello dell’odiato Don Lucio, diventa il fulcro della narrazione intorno al quale gli abitanti di un piccolo villaggio delle Canarie circolano come in un teatrino, facendone oggetto di scherno, di vendette, di ipocrite espressioni di compunzione e di evidente fastidio. La vedova sfuggente, Eloisa, interpretata da una squisita Angela Molina, sembra l’unica a non essere minimamente turbata, anzi si percepisce dai suoi continui stupori per la vita del defunto marito che il loro rapporto coniugale era basato sull’ assoluta incomunicabilità: si sfila dalla rappresentazione di qualcosa che in finale non gli è mai appartenuto per prendere coscienza di sé, prima con una febbrile ricerca del denaro e poi con l’abbandonarsi alle gioie di un “nuovo” amore. E’ la vicina di casa, Isabel (una superba Elvira Minguez), anche lei vittima di Don Lucio, a farsi carico dell’ingombrante corpo; si lascia sfuggire ad Eloisa un sofferente: “Lo faccio con imbarazzo, ricordatelo”. Si scoprirà in seguito che il ragazzino che si aggira per casa è il frutto della sua prepotenza sessuale, rievocata da lei con disgusto. Interessante non solo la metafora politica che ricorda nella figura del morto i fantasmi dei soprusi di Franco, ma anche la doppia valenza che assume il nome “Caya”, indicante sia la cassa da morto che la cassetta nella quale si “dovrebbero” celare i tanto sospirati soldi, unica eredità positiva di una figura così abbietta. La chiave del film si gioca appunto in questa ambivalenza: Don Lucio lo sa e dall’aldilà sogghigna divertito.
Daniele Luchetti torna a far parlare di sé con un film che merita applausi ed elogi. Incredibile vedere Riccardo Scamarcio recitare (e bene!) accanto ad un Elio Germano assolutamente formidabile. Manrico ed Accio, fratelli legati da un rapporto del tutto particolare e manesco, hanno idee politiche antitetiche. Manrico (Scamarcio) è un operaio di sinistra che si batte per i diritti dei lavoratori ed organizza grandi manifestazioni. Ha un mucchio di donne al seguito ed una ragazza splendida che lo adora. Accio (Germano) è l’esatto opposto. Fascista convinto, veste di nero e picchia chi non la pensa come lui. Combina guai che seguiamo sin dall’infanzia, lo vediamo crescere, quasi il regista volesse proporci la storia di un cambiamento. Non lo giudichiamo, Accio, lo capiamo, lo apprezziamo e desideriamo aiutarlo quando compie l’ennesimo passo falso. Gli vogliamo bene, insomma. E come potrebbe essere altrimenti? 
Gabita e Otilia sono due ragazze qualunque, sperdute nella Romania rigida di Ceausescu, connotata da un proibizionismo esasperato che si ripercuote socialmente in un’eccessiva morigeratezza dei costumi. Le due amiche, compagne di università, si trovano a dover far fronte ad un problema delicato e personale: Gabita è incinta e non vuole tenere il bambino. Ma interrompere la gravidanza, giunta ormai a 4 mesi, 3 settimane e 2 giorni (titolo figlio di un rigore scientifico, che ben dimostra il rifiuto categorico del regista a lasciarsi andare a qualsiasi ricamo retorico) è illegale. Pertanto, la questione va risolta con mezzi altrettanto illegali. L’inevitabile si scontra con il necessario, in un duello filmato da un regista coraggioso, Cristian Mungiu, giovane talento rappresentativo del miglior cinema impegnato europeo, che si fa paladino della libertà di scelta e della tutela del corpo femminile, raccontando una storia intensa e non facilmente digeribile con uno stile volutamente asciutto, sobrio, al limite dell’anonimo (eccezion fatta per tocchi personali efficaci, si pensi alle sequenze della corsa disperata di Otilia, ingoiata da un buio metaforico, con una handycam che la insegue e la inchioda, stile horror-movie). Nessun giudizio morale di sorta, immagini forti figlie di ricerca dell’impatto visivo che si fa feroce contro-informazione, affinché tutti siano ben consapevoli di ciò che è accuduto/potrebbe riaccadere. Palma d’Oro meritata, dovuta, quasi obbligatoria, per un film capace di fare del grido allo scandalo una silenziosa opera d’arte.
Un uomo e i suoi trecento. L'orgoglio e la virilità austera di Sparta. La sete della gloria, la forza del coraggio, l'ardore della passione. Cronaca virtuale di una vigorosa sfida al destino in nome della libertà, firmata Zack Snyder, “300” è la trasposizione cinematografica dell’ omonimo romanzo grafico di Frank Miller. Siamo nel 480 a .C. a Sparta, mitica culla di guerrieri che non tentennano mai, che non conoscono debolezza né tenerezza alcuna. L'austerità dei costumi è la matriarca che regge una società fondata su disciplina, onore, senso del dovere e venerazione delle leggi (siamo pur sempre nell'Ellade socratica), oltre a promuovere valori come coraggio patriottico e sacrificio estremo. Ma anche razzismo, competizione, gusto xenofobo di sopraffazione. E Leonida, diciassettesimo re neanche a farlo apposta, è l'incarnazione vivente della trasfigurazione positiva di tutto l'universo spartano: padre attento, marito fedele (la coppia formata dalla sublime regina Lena Headey e dal possente Gerard Butler è semplicemente irresistibile), cittadino irreprensibile, guerriero valoroso, come anche nemico spregiudicato e senza pietà, pronto a dissacrare da subito l'inviolabile vincolo dell'ospitalità. Variegate le prospettive ideologiche con cui ispezionare il film, che presta il fianco a critiche ed elogi di vario tipo, premesso tuttavia che l'intenzione palese resta un godibile divertissement: cinema d'intrattenimento che prende in prestito movimento e terza dimensione dall'universo dei videogiochi, senza risparmiarsi tocchi d'autore che spaziano dall'azione, al thriller, al melò nel giro di pochi minuti. Il padre dell' “Alba dei morti viventi” regala al pubblico un'esperienza cinematografica che fa dell'esplosione del colore (su tutti un ipnotico rosso sangue, protagonista fin dai titoli di testa) e dell'enfasi estetica dei corpi il suo punto forte, impressionando, suggestionando, catturando in ogni singola, appassionante, sequenza.
Con i mezzi pubblici lo Studio è vicino a: metro C fermata Gardenie, Tram 19 e Tram 5, numerose linee di bus
