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Pillole di Film
Una rubrica di proposte e critiche personali su film diversi per generi, epoche e stili cinematografici. In pillole. Perché il cinema è come una medicina, allucinogeno e calmante a seconda dei casi, capace sempre di donare a chi lo ama la preziosa sensazione di poter sperimentare altre vite e modi di essere ogni volta diversi.
…Allora, cosa volete vedervi stasera?
“Il cinema? Un mezzo per porre domande”
(Ken Loach)
“Il cinema è l’arte di rievocare i fantasmi”
(Jacques Derrida)
“Il cinema è il modo più diretto per entrare
in competizione con Dio”
(Federico Fellini)
"Il cinema è un'invenzione senza avvenire"
(Louise Lumiére)
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- Scritto da Tania Varroni
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- Categoria: Pillole di Film
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Orson Welles, si sa, non realizza solo film. Lui riesce a creare poesie che parlano con le immagini. Ogni scelta formale o narrativa è funzionale all’emozione da trasmettere. Un cinema che dice e racconta sensazioni attraverso inquadrature ben studiate. L’infernale Quinlan sicuramente non fa eccezione. Ogni fotogramma è pura scelta registica, il tocco autoriale è inconfondibile.
Un noir del tutto particolare, inquietante e molto suggestivo. Quinlan (un poliziotto interpretato dallo stesso regista) è un buono cattivo, dovrebbe proteggere ma decide di ingannare. Vargas è il buono tout court, che finisce con l’essere quasi del tutto asettico. Inquadrato sempre frontalmente, raramente in primo piano, finisce con l’avere un ruolo secondario rispetto all’antagonista Welles. Quinlan, infatti, è una figura imponente, autoritaria, forte sin dalla sua primissima entrata in scena. Inquadrature ed illuminazione dal basso gli danno un’aria diabolica, ma sofferente anche nella sua confessione di infelicità per la morte di sua moglie. Non è solo la macchina da presa di Welles a narrare; a fare il suo gran lavoro è la fotografia di Russell Metty. Nulla è mai lasciato al caso e la fotografia racconta i personaggi.
Eccezionale apparizione dell’irriconoscibile Marlene Dietrich, splendida come sempre, malinconica come mai prima. Acquieta gli animi ed il tono vertiginoso del film nei panni di Tanya, una prostituta proprietaria di un bordello.
Il film rappresenta l’attraversamento di un confine morale, emozionale, tecnico (non a caso è ambientato su una terra di confine). Una sorta di capolavoro, insomma, estremo quanto basta, seppur non superi (e neppure eguagli) il genio ed i canoni espressivi del precedente Quarto Potere.
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Regista: Orson Welles
Anno di produzione: 1958
Produzione: USA
Durata: 95 minuti
{tab=Curiosità}
I primi otto minuti del film sono girati senza tagli, con un unico piano sequenza.
Il film viene ironicamente citato in una scena di Ed Wood di Tim Burton: Ed Wood (Johnny Depp) parlando con Orson Welles (Vincent D'Onofrio) si lamenta di come i produttori scelgano autonomamente gli attori dei film, in modo non sempre giusto. Welles risponde "Non dirmelo. Sto giusto cominciando a lavorare a un film in cui vogliono che Charlton Heston interpreti un messicano!"
Il film viene citato pure nel film di Robert Altman I protagonisti (1992).
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Non ci sono riconoscimenti
- Dettagli
- Scritto da Diego Scerrati
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Chi ha ammirato Il silenzio degli innocenti rimarrà deluso, chi ha visto Hannibal tirerà un sospiro di sollievo. Red dragon, remake del sottovalutato Manhunter – Frammenti di un omicidio, narra i fatti avvenuti prima del celebre incontro tra l’efferato cannibale e l’agente Clarissa Starling. Tre anni dopo il suo ritiro dall'FBI, l'agente Will Graham viene contattato dal suo ex partner, per aiutarlo a risolvere un caso relativo ad un serial killer. Graham accetterà, ma per comprendere la psicologia dell’assassino, sarà presto costretto a chiedere aiuto alla diabolica mente di Hannibal Lectar, la cattura del quale aveva segnato la fine della sua carriera. La storia rispecchia la stessa struttura de Il silenzio degli innocenti, con l’intellettuale cannibale che stuzzica le paure e scava dentro l’anima del poliziotto di turno (ma l’ingenuità e la fragilità di Jodie Foster sono un lontano ricordo); è questo il limite del film, che a parte una storia intrigante (ma comunque con una suspense che crolla terribilmente nel secondo tempo), non regala nulla di originale, ma solo l’occasione di rivedere sullo schermo un geniale Anthony Hopkins e le ottime performance del resto del cast. Bellissima la parte iniziale, tutta basata sull’elaborazione della psicologia dello schizzato serial killer, attraverso le analisi delle scene del crimine condotte da Graham e le conoscenze del “lato oscuro” dell’uomo da parte del professor Lectar. Poi, però, diventa tutto troppo drammatico e pomposo, quasi irreale, concentrato solo su singole scene abilmente dirette. Anthony Hopkins sparisce quasi dalla scena, prima di ricomparire in un finale purtroppo indegno e quasi ridicolo.
{tab=Scheda tecnica}
Regista: Brett Ratner
Anno di produzione: 2002
Produzione: USA
Durata: 124 minuti
{tab=Curiosità}
In questo thriller di Thomas Harris appare per la prima volta il personaggio del dottor Hannibal Lecter, pluriomicida-cannibale, famoso nel film "Il silenzio degli innocenti".
{tab=Riconoscimenti}
Non ci sono riconoscimenti
Ennesimo film di Cronenberg sull’ambiguità del reale, A history of violence narra la storia di Tom Stall, uomo dal mite temperamento, che vive seneramente con moglie e due figli nella piccola città di Millbrook. La loro idilliaca esistenza è però presto destinata ad andare in pezzi quando Tom riesce a sventare una rapina nel suo ristorante e uccide due criminali, divenendo così un eroe celebrato dalle televisioni. Cercando di tornare alla sua vita normale e senza troppe avventure, inizia ad essere perseguitato da un uomo misterioso e minaccioso, convinto che Tom sia in realtà Joey Cusack, uomo da cui in passato ha subito delle ingiustizie. Il tema ci riporta all’universo splendido di Spider, e di nuovo il regista va alla caccia della dimensione nascosta dell’essere umano, quell’aspetto di noi stessi che cerchiamo di reprimere, ma che forse non siamo così capaci di controllare. È infatti in questo serrato gioco di nervi, tra scambi d’identità, minacce e crescendo di tensione, che emerge il tema della violenza come lato infelice ma inevitabile dell’esistenza. Cronenberg riesce ancora una volta a penetrare nel lato oscuro della natura umana, scavando in profondità nei meandri oscuri dell’io e sottolineando la doppia essenza del soggeto umano, sempre in bilico tra ragione (Tom Stall) e istinto (Joey Cusack): basta una notte e un incidente per mettere in discussione l’ipocrita bucolica facciata che la famiglia felice di Millbrook ha mostrato al mondo e per lasciar emergere fantasmi e istinti repressi. La sequenza finale, cinica e allo stesso tempo commovente, è il sigillo ad un film dalla magnifica eleganza (nonostante il tema) e dallo sguardo onesto e duro verso l’essere umano. In fondo, anche l’uomo, alla fine, non è niente altro che un animale.
Il regista Steven Shainberg mette in scena, con Fur, il conflitto interiore attraversato dalla discussa fotografa Diane Arbus, donna relegata per gran parte della sua vita nell’opprimente prigione del conformismo. La sua storia è descritta come un viaggio oltre il perbenismo, le ipocrisie, la fredda superficialità del mondo, alla scoperta dei segreti più intimi delle persone, di ciò che nascondiamo al di sotto di quelle apparenze con cui offriamo al mondo un’immagine ordinata e rispettabile. Diane Arbus (Nicole Kidman) è una casalinga modello e una madre premurosa, ma è frustrata (anche sessualmente) perché costretta in un mondo nel quale non si trova a suo agio. Avverte il bisogno di liberarsi ed andare verso mondi diversi, imprevedibili, non omologati, e trova una via di fuga in Lionel, un freak malato di ipertricosi, il cui volto è sempre celato da una folta pelliccia di peli. Il film è bellissimo per tutta la prima parte con la descrizione del progressivo avvicinamento della fotografa al mondo bizzarro dei freaks, ma poi perde intensità, trasformandosi in un eccessivo melodramma d’amore, con sequenze struggenti esagerate. L’ottimo finale riscatta ciò che il film perde per strada, con il modo particolare di rendere la definitiva accettazione della Arbus della propria ossessione di indagare le profondità più recondite delle persone: mondi interiori da immortalare e penetrare con la fotografia; luoghi ai margini di tutto quello che le era stato sempre insegnato ed imposto; territori dove nulla è mai scontato e c’è sempre da scoprire; o magari, semplicemente, dei mondi liberi e non oppressi da una soffocante pelliccia.
A volte essere la “pecora nera” della famiglia non è poi così male. Altre volte, invece, è una vera e propria tragedia. È questo il caso di April (Katie Holmes): andata via di casa ancora giovanissima per trasferirsi in una nuova città, la ragazza vive col suo fidanzato di colore in uno squallido appartamento, in un palazzo che cade a pezzi, in un quartiere malfamato. Ma il Giorno del Ringraziamento ha un’importanza particolare negli Stati Uniti; è in quell’occasione che si cercano di superare tutti gli ostacoli. Basta un invito a cena alla famiglia che non senti da anni e tutto potrà di nuovo andar bene. O meglio, sarebbe sicuramente così se si trattasse di una romantica commedia hollywoodiana. Schegge di April, però, ha davvero poco a che fare con Hollywood. Film indipendente ed opera prima di Peter Hedges che impiega soli trecentomila dollari per la realizzazione. Gente diversa, che non si conosce. Una famiglia divisa da incomprensioni e malattie. Una sola giornata in cui April si muove goffamente per le scale del suo palazzo alla ricerca di un forno funzionante. Qui incontra persone di culture ed etnie diverse. Si mescola a loro, ne percepisce valori e tradizioni. Impara ed insegna cose. Una commedia ironica (a tratti persino brillante) che, narrando una trama relativamente esile, svela un tema importante e di ampio respiro: il bisogno di sentirsi parte di una comunità, per quanto minuscola essa sia. Ma April dovrà confrontarsi con una comunità ben più dura da scalfire, che la rifiuta da che ne ha memoria: la sua famiglia, in viaggio per una meta non troppo entusiasmante e che eviterebbero volentieri di raggiungere. Il compito è arduo, il premio senza prezzo.
About a boy, un film dolce e pieno di fascino ed intelligenza, stupisce per la profondità con cui i vari temi vengono trattati. L’insicurezza che trafigge l’ego di un uomo adulto (Hugh Grant) tanto quanto quello di un ragazzino imbranato e molto timido; la depressione di una madre decisamente incapace a vivere. L’incredibile debolezza della menzogna e l’insostenibile forza della verità. 
Avere 16 anni non è certo la cosa più semplice del mondo: i caratteri si delineano e l’umore è particolarmente instabile. A tutto questo si aggiungono i primi problemi di cuore, i primi litigi con gli amici, il crescente interesse verso argomenti politici. I problemi con la famiglia, soprattutto riguardanti i genitori, certo non danno una mano. 
Non è il primo film, né sarà l’ultimo, a parlare di mafia siciliana.
Con i mezzi pubblici lo Studio è vicino a: metro C fermata Gardenie, Tram 19 e Tram 5, numerose linee di bus
